Caravaggio ve Matisse Eserlerinde Renk ve Kavram Olarak Kırmızı

The Dessert: Harmony in Red ve The Beheading of Saint John the Baptist Örnekleri

Özet

Henri Matisse ve Caravaggio, kendi dönemlerini ve öncellerini de içeren derinleştirilmiş ve tarihi mirasta renk ve ışık kullanımlarının yanısıra dramatik anlamın kullanımı için gerekli özgün işlere imza atmışlarıdır. Bu çalışmada, farklı sanat görüşlerinin peşine düşmekle birlikte; iki ressamın ortak renk ve ışık düzenlemelerinin anlamı farklı zaman dilimlerinde ait çalışmalarını sanat tasarımı ve üretimi bağlamında incelenecektir. İki ressamın hem kullanılan dramatik unsurlarının hem de farklı renk kullanımın iki farklı disipline ait ressamın metinler arası okumalarla; ışık kullanımı ve renk kullanımları irdelenecektir.

Anahtar Kelimeler : Matisse, Caravaggio, renk, ışık, tasarım, dramatik

Abstract

Henri Matisse and Caravagio have undersigned the original works necessary for the use of dramatic meaning as well as the use of color and light in their deepened and historical heritage, including their own periods and priorities. In this study, while pursuing different art views; The meaning of the common color and light arrangements of the two painters will be examined in the context of art design and production in different time frames. Both the dramatization of the two painters and the use of different colors, the light use and color dramatization of the painters of the two different disciplines will be examined.

Giriş

Mekansal dinamikler tarihsel süreçteki eylemlerimizin belirleyici ve belirleyicisidir. Uzay, çevreyi ve eylemleri sürdürmek için uygun olan sınırları terk eden kriterdir. bir yer. Fiziksel alan, duvarları, zemini ve tavanı ile sınırlanan bir odanın hacmi olarak tanımlanabilir. Dış mekan, bu fiziksel olarak çevrili alanın dışındaki alan olarak tanımlanabilir. Üç boyutta ölçülebilen alan objektif ve gerçektir (renk, doku, şekil). Ölçülemeyen boyutları ile varsayılan alan sadece duyularla kavranabilir. Algı duyu organları aracılığıyla her türlü gerçekliği alma ve zihinde bilgiye dönüşme sürecidir. Başka bir deyişle algı, gerçekleri gerçekleştirme ve onları tanınabilir yapma sürecidir.

Algısal alan algılanabilen veya görülebilen alandır. Algısal alanla ilgili bir başka alan, hafızamızda plan olarak tanımlanabilen kavramsal alandır. Görsel algıyı bilinçli bir operasyonel süreçte duyusal izlenimlerimiz ve hafızalarımız bilinçli olarak takip eder. İç faktörlerden de etkilenir. Dış faktörler, ayrıntılı dikkat ve uyarlanabilir özellikler açısından, uyaranın değişkenliği, büyüklüğü ve şiddeti önemlidir. Şekil- zemin ilişkisi, tamamlanma, benzerlik, yakınlık ve süreklilik gibi organizasyon ilkeleri süreç üzerinde belirleyicidir. İç faktörler ise algısal süreçlere sahip olabilir.

Bu özellikler zaman mekan düzlemini sınırlar, belirler, yönlendirir, odaklanır, devam eder, semantiktir, bağlar, ayırır. Mekansal kimlik oluşumunda şekil, doku, malzeme, ışık ve renk gibi faktörlerin belirlenmesi mekan oluşumunda görsel algı fonksiyonu. Işığın mekandaki etkisi kullanılan ışığın türüne göre değişir. Mekanın aydınlatma miktarını ve kalitesini oluştururken; Parlaklık seviyesi, aydınlatıcı ışığın rengi, isteğe bağlı yapı, oluşturulacak gölgeler, parlaklık ve aydınlatma-yüzey dokusu önemli faktörlerdir.

Işık, şekil ve dokuyu vurgulayarak, bir özelliği gizleyerek veya ortaya çıkararak, mesafeleri daraltarak veya büyüterek net veya belirsiz hale getirilebilir. Kimlik

Bir resim genel uyumdan oluşur: Herhangi bir gereksiz ayrıntı, izleyicinin zihninde, gerekli olan başka bir detayın yerini çalacaktır …” -Henri Matisse, Resim Üzerine Düşünceler

oluşumu üzerinde belirleyiciliği vardır. Bu durumda, insan algısı ve renklerin psikolojisi. Kullanıcılar alan ile sürekli bir ilişki içindedir. İlişki sosyolojik ve psikolojik etkileşimi beraberinde getirir. Uzayda psikolojik belirleyiciler; insanın temel ihtiyaçları, insan ihtiyaçları, mekanda kullanılan ışık ve renk seçenekleri. Mekanın sosyolojik belirleyicileri sosyal faktörleri, kültürü, dini, gelenekleri, eğitimi ve alışkanlıkları belirleyenler içindir.

1. Barok Dönem ve Özellikleri

Barok biçimsiz anlamına gelir ve stil ile ilişkili akan, neredeyse sonsuz formları ifade eder. Bu terim Geç Rönesans’ı izleyen ve daha sonra Rokoko dönemine ait mimari, müzikal ve sanatsal eserleri tanımlamak için kullanılır. Klasik dönem idealizminin sakin bir güzelliğin yerini aldığı 16. yüzyılın sonlarında moda olan yapay stile bir tepki olarak görülen Barok, özellikle Katolik Kilisesi tarafından yapılan eserlerle ilişkilidir. Ağır süslemeler sofistike ama sistematik bir tasarım, renk, ışık ve gölgenin gösterişli kullanımı ile karakterizedir. Barok resimlerde resimlerinde ışığın göründüğü şekil, yoğunluk ve karanlık taraflarının miktarıyla belirlendi. 15. yüzyıldan beri karanlık giderek daha çok yer kaplamaya başladı ve bir çok İtalyan ve İspanyol resminde kanvasın üçte ikisine ya da daha fazlasına yayılarak ışıktan daha geniş bir hakimiyet sergiledi.

2. Michaelangelo Caravaggio

Caravaggio, başroldeki figürleri ışıkla vurgulayarak etkiyi yükselten ve böylelikle de resimlerinin büyülü bir havaya bürünmesini sağlayan ilk sanatçıdır. Michelangelo Merisi De Caravaggio, ünlü Michelangelo’dan 100 yıl kadar sonra doğunca soyadı olan Caravaggio ile anıldı. Henüz 6 yaşındayken, veba salgını sebebiyle aynı gün babası, dedesi ve amcasını kaybetti. 12 yaşına geldiğinde Milano’da bir ressamın yanına çırak olarak gönderildi, resim yapmayı sevmişti fakat pek fazla etkin olamadan ortadan kayboldu. Bu kayboluş ile ilgili belirtmemiz gereken en önemli şey, Caravaggio’nun hayat hikayesinde karşımıza çıkan birçok kara deliklerden sadece birisi olduğudur. Sonralarda Roma’da ortaya çıktı ve bu dönemlerde para buldukça resim yapıyordu. 23 yaşındayken iskambil oyunu ile

masum gençleri kandıran hilebazları konu ettiği “Cardsharps” resmini yapmıştı ve bu resim, bir kardinalin ilgisini çekmesiyle onu ressam olarak yanına almasını sağladı. Sonrasında kiliseler için dini temalı resimler yaptı, hem Hıristiyanlık hem de Musevi tarihinin efsanelerini resimlerine taşıdı. Ağızlardan hiç düşmeyen özel hayatında, gereksiz bir ağız dalaşına girdiği kişiyi öldürene kadar asiller onu yeteneğinden dolayı

korumuştu. Bu olay sonrasında, asillerin korumasının sınırlarının bittiği noktada ölüm cezası almıştı ve aranıyordu. Önce Napoli’ye, oradan Malta’ya giderek şövalye yemini etti ve bunun affedilmesini sağlamasını umdu. Yaraladığı bir şövalye ile başı belaya girince yine kaçtı, bu defa Sicilya’ya, sonra tekrar Napoli’ye. Bu sırada resim yapmaya devam eden Caravaggio gerçekçiliğe ciddi şekilde kafayı takmıştı. Öyle ki Lazarus’un Dirilişi’ni tasvir etmek için mezardan ceset çıkarttırıp model olarak kullanmıştı. Daha sonrasında kızgın şövalye onu Napoli’de buldu, yüzünü paramparça etti ve öldüğünden emin olunca Caravaggio’nun kanlar içindeki bedenini sokakta bıraktı fakat Caravaggio henüz ölmemişti. Aylarca tedavi gördükten sonra elleri fırça tutacak kadar iyileşti. “David ve Goliath’ın Başı” resmini iyileşince yaptı. Hem yüzünün tanınmayacak hale gelmesi hem de kellesine ödül konması, zaten düşkün olduğu baş kesme efsanelerini tekrar resmetmeye teşvik etti onu. Bir nevi otoportre olan bu resimin Caravaggio için önemi ise hem yetenekli ve cesur halini David’in yüzüne, hem de gaddar ve parçalanmış halini Goliath’ın yüzünde resmetmiş olmasıdır.

2.1 The Beheading of Saint John the Baptist

1608’de Caravaggio, Vaftizci Yahya’nın vaftizinin hikayesini çizdi. Bu muhteşem eser, insanın ustasının başyapıtlarından biri olarak kabul edilir. Karanlık bir ortamda sessizce işlenen bir cinayete tanıklık eder. Kompozisyonda beş erkek ve iki kadın var; John yaşlı bir adam ve genç bir kadın, cellat ve adam yerleştirileceği tepsiyi işaret ediyor.

Bu yapıda, günün hangi saatinde veya tam olarak alanın nerede olduğunu söylemek mümkün değildir, ışık uygulayıcının kollarında, ölü bedende ve başını almak için kollarını uzatan geniş zıt karanlık gün resmedilir. Sakin ve sessizce işlenen cinayete üzüntü ve çaresizlik gösteren tek kişi, eski kafasını elleriyle tutan kadındır.

Resim 1.A

Yine, koyu tona eşlik eden rengin kanla kırmızı uyumlu olduğunu görmek mümkündür. Başını John’un gövdesinden ayrılmış olarak örten kırmızı kumaş hem renkli hem de doğrusal ve uyumludur. Azizin ifadesi, diğer eserlere kıyasla korkusuzca, belki de sağ ve mücadele olmadan tamamen sakindir, böylece azizin ifadesi boynundan karanlık ve soğuk duvarların arkasına bağlanmış olarak tamamen boynundan ayrılır.

Bir sanatçı zindan gibi bir seçenek bırakarak, soğuk taşlarda, parmaklıklar arkasında, bilinmeyen iki suçlunun hoş merakının varlığında, belki de kendileri olmadıkları için kullanmasını sağlamıştır. Şiddetin akan kanı, çalışmadaki ışığın başlangıcıdır. İşteki ışığın alt kısmı, ışıkta kalmayı umduğumuz bir haç gibi dağılmıştır.

Kesik kafa, sanatçının stilistik gelişiminin son aşamasını da detaylandırdı. Roma yıllarında parlak renkler ve keskin detaylar sona erdi; buradaki tek istisna Bapstist’in dramatik, kan kırmızısı bornozudur. O zamandan beri, kompozisyonlarının odak noktası ve bu alandaki olayların sahnelenmesi olmuştur. Bu çalışmada, aktif figürler solda toplanırken, sağdaki kasvetli bir duvarın önünde hapsedilmiş bir hapishanenin

altında bir boşluk var. Cellat, başını vücuttan tamamen ayırmak için bıçağı Vaftizci Yahya’nın yerde olduğu kemerinden çıkarmaya çalışırken ona doğru eğildi.

Gardiyan ise hizmetçinin tuttuğu (kimi kaynaklarda ise Salome’nin tuttuğu) ve Salome’ye kafanın içerisinde götürüleceği altın kaseyi işaret etmektedir. Dehşete düşmüş yaşlı bir kadın yüzünü ellerinin arasında saklamaktadır.Oldukça yadırganan bu cesur kompozisyonda ana grup solda yer alıyor ve sağda geniş bir duvar olmasına rağmen yine de ilgi uyandıran bir gerçeklik duygusu yaratıyor.

Gardiyan, hizmetçi (Salome) tarafından tutulan altın kaseye işaret eder ve kafanın içindeki kaseyi Salome’ye götürülür. Çok korkmuş yaşlı bir kadın yüzünü elleri arasında saklamaktadır. Bu kompozisyonda, ana grup solda ve sağda geniş bir duvarla gerçekliği bütün kuvvetiyle alaşağı etmektedir.

Parmaklıklar ardından bakan iki adam belki de mahkumdurlar. Caravaggio da birkaç kez çeşitli suçlardan kısa sürelerle hapis yatmıştı; şiddet dolu yaşantısında sıklıkla kan döküldüğünü görmüş olmalıydı” (2010:198).

Caravaggio, başın kesildiği anı bir kez daha boyadı. Vaftizci Yahya, önemli bir dini karakterin idamını ve hayatını ilahi bir atmosferde meleklerle veya ilahi bir ışıkla tasvir etmek yerine, işkence gören, haksız, işkenceyi akla getiren bir cezaevinin önünde tasvir edilen bir adamı tasvir etti ceza ve acı. Kanunen aranan ve hapse atılmakla tehdit edilen Caravaggio’nun, bu kompozisyonu ve imzayı kurbanın kanına sokması, kendisini kurbanla özdeşleştirdiği ve bu çalışmanın kişisel mesajlar içerdiği fikrini ortaya koymaktadır.

1.1.a Tanımlama

Resimde yedi figür kullanılmıştır. Figürler resmin sol tarafında yoğunlaştırılmıştır. Burada ayakta duran dört figür ve yerde yatan bir figür bulunmaktadır. Resimdeki diğer figürler ise izleyicinin sağında yer almaktadır. Burada yer alan iki figür karanlık içinde ve belli belirsiz hatlarla işlenmiştir. Burada duran figürlerin parmaklıkların arkasından yaşananları izledikleri görülmektedir. Resmin en solunda elinde altın sarısı tepsi tutan ve eğilmiş halde verilen bir kadın

figürü yer almaktadır. Hemen yanında ise yaşlı bir kadın tasvir edilmiştir. Yaşlı kadın başını ellerinin arasına almış ve dehşet içinde olayı izlemektedir. Ayakta duran erkek figürü ise parmağıyla tepsiyi işaret etmektedir. Diğer erkek figürü ise eğilmiş şekilde betimlenmiştir. Figürün üzeri çıplaktır. Bir eliyle yerde yatan adamın başını tutmaktadır. Diğer eli ise arkadadır. Arkada duran elinde bir bıçak tutmaktadır. Yerde yatan figürün üzerinde hayvan postundan bir giysi bulunmaktadır. Elleri arkadan bağlanan figürün saçları uzundur. Yerde yatan figürün boyun hizasında kan birikintisi görülmektedir. Aynı zamanda figürün üzerinde kırmızı bir örtü de bulunmaktadır.

1.1.b Değerlendirme

Çalışmada Vaftizci Yahya’nın başının kesildiği an tasvir edilmiştir. John kanlı yerde yatıyor. Başlangıçta, cellat elinde bir bıçakla tasvir edildi. Herod’un hizmetkarı olduğu anlaşılan kadın, elinde altın bir tepsi bekler. Korku ile saatlerinin yanında duran yaşlı kadın. Resimdeki terör bu konudaki ifadelerle pekiştirilmiştir. Yaşlıların yanında duran adam soğukkanlı altın bir tepsiye işaret ediyor. Cellat ayrıca işini yaparken soğukkanlı bir şekilde resmedildi. İfade açısından, anı en canlı yapan figür yaşlı kadındır. Başını elinde tutarken çekilen görüntülerin yüzünde terör ve üzüntü ifadeleri var. Resmin sağındaki karanlıkta rakamlar. Şarj edilebilir Caravaggio resimlerinde olduğu gibi Yahya’da da bir parça kırmızı bez var. İkonografide gördüğümüz deve kılı giysisi bu kumaşın altına girer. Resim, ölüm ve korku anını yansıtıyor. Burada kullanılan korku anı, tek bir figürün ifadelerini anlatıyor. Bununla birlikte, Caravaggio’nun çalışmalarında benzer uygulamalar sıklıkla görülür. Sanatçı sıklıkla gerekli ve figürlerin ifadelerinin zıtlıklarından yararlanır. Bir adamın kafası kesilir ve boynunda kuşkusuz kapılarında herkesin korkacağı görüntüler bulunur. Ancak resimdeki figürlerin çoğunun sakin bir şekilde açıkça ortaya çıkması, olaylar ve ifadeler arasındaki kontrastı yansıtmaktadır. Caravaggio korkunç anları tasvir etmekten çekinmiyor. Bu resimde Yahya’nın başının kesildiği an tüm çıplaklığıyla ortaya koymaktadır. Resim, ana nedeni nedeniyle ikonografiye uygun olarak birleştirilmiştir. İfade açısından güçlü bir ifade olduğu anlaşılmıştır. Boyadığı sırada sanatçı aynı anda.

1.1. c Işık ve Renk Analizi

Barok resim içinde karanlık- aydınlık dengesi büyük önem taşımaktadır. Resimde yer alan figürler dışında hiçbir yer aydınlık değildir. Bu sebeple dikkat sadece resimdeki figürlere yoğunlaşmaktadır. Bu dönemde sanatçılar dehşet verici anların izleyici üzerinde farklı bir etki yarattığını anlarlar ve resimlerinde bu anları yansıtmaktan kaçınmazlar. Caravaggio resimlerinde ise bu durum doruk noktasına ulaşır. Caravaggio için korku aşağılanması gereken bir duygudur. Kanlar fışkıran bir figürü çekinmeden resmetmesi de düşüncesinin sanatına bir yansımasıdır. Dönem içinde çok kez işlenen dini konulu bir resim kompoze edilmiştir. Figürlerin dağılımları, ışık ve gölge kullanımı, hareketin hissettirilmesi bakımından resim dönem özelliklerine uygun şekilde tamamlanmıştır.

2. Henri Matisse

Genç Matisse’ in resimlerini gördüğünde ihtiyar Renoir şöyle demiştir:
 “Doğrusu bugüne değin gösterdiğiniz resimlere baktıkça sizin ressam olmadığınızı düşünüyordum.Ama bugün getirdiğiniz resimlerde siyah rengi öylesine kullanmışsınız ki bunu ancak bir ressam başarabilir. Evet, ressamsınız siz” .

Henri Matisse, Fransız sanatçısı ve 20. yüzyılın başlarından itibaren sanatsal ve doğal bir rengi, detay ve biçimsel temsil üzerine bir ifade aracı olarak vurgulayan sanatsal bir hareket olan Fauvism’in lideriydi. Fovizm kısa sürdü ancak Matisse, sanatsal kariyeri boyunca parlak ve ilginç renk kombinasyonlarını tercih eden bir renkçi olarak kaldı.

Matisse, ünlü Rus koleksiyoncu Sergey Shchukin için Fauvist döneminin bitiminden kısa bir süre sonra Harmony’yi Kırmızıya boyadı. Koleksiyoncu Moskova’daki malikanesinde yemek odası için dekoratif bir panel olarak tasarlandı. Matisse, tuvali Yeşilde Harmony, ardından Mavi olarak başlattı ve sonunda Kırmızıda Harmony olarak bitirildi. Son kompozisyonun merkezi bir odak noktası yoktur ve bu parlak kırmızının canlılığı ve enerjisi, görüntünün etrafında atlarken gözünüzün itilmesine yardımcı olur. Formları tanım için ince bir şekilde özetlenmiştir ve bu çizgilerin içindeki düz renk düzlemlerini, muhtemelen daha önce boyanmış

mavinin olduğu tuvalin üstündeki kırmızıdaki koyu lekeler gibi, kusurlu ve rastgele değer değişiklikleri bırakarak ilginç ve akıcı tutar. üzerinden zirve yapıyor.

20. yüzyılın başlarında, birçok sanatçı eserlerinde soyutlama denedi. Harmony in Red’deki kırmızı ve mavi desen resim düzlemine hükmeder ve duvar ile kapladığı masa arasında desende bir değişiklik olmadığından, Matisse oluşturmak için birkaç akıllı şey yapmasaydı bu alan tamamen düz görünecektir. uzay yanılsaması. İlk olarak, tuvalin sağ tarafındaki kadın duvarın önünde ve masanın bir tarafının arkasında durur, masanın yanındaki yatay yatay çizgiyle yardımcı olan net bir ayrım. Beyaz eteğinin önündeki masanın kenarı, diğer taraftaki sandalye koltuğu ile paralel olan bir sınır olan perspektif için eğimlidir. Son olarak, bazı meyve ve diğer nesneler yüzeyinde oturur ve üç boyutluluğunu teyit eder. Bir kase meyve aslında kadının kendisi tarafından belirlenir, aksi takdirde bu statik nesnelere daha fazla varlık ve gerçekçilik yaratan bir etkileşim.

Daha fazla derinlik ve yoğun renklerine nefes alma şansı vermek için sol köşeye büyük bir pencere eklenir. Pencere pervazının perspektifi masanınkine uyum sağlar ve daha şiirsel uyum için dışarıdaki ağaçların şekli, kadının saçının şekli ve desenin kıvrımlı “arabesk” mavi çizgileriyle çakışır. Harmony in Red, Matisse’in en ünlü eserlerinden biridir ve bazı sanat tarihçileri tarafından onun başyapıtı olarak kabul edilir.Henri Matisse, Fauvism’in önde gelen figürüydü ve modern çağın en etkili sanatçılarından Pablo Picasso ile birlikte. Matisse resimlerinde, heykellerinde ve eserlerinde canlı renkler, Pointillist teknikleri ve azaltılmış düz şekiller denedi. “Hayalini kurduğum şey, konuyu rahatsız etmekten veya bunaltıcıdan yoksun bir denge, saflık ve huzur sanatıdır” dedi; seçtiği konular arasında çıplaklar, dansçılar, natürmortlar ve iç sahneler vardı. Matisse’in animasyonlu fırça çalışmaları ve Şapkalı Kadın (1905) ‘te olduğu gibi parlak renklerin keyfi olarak uygulanması, Fauvism’in temelini kanıtlarken, benzer şekilde radikal olan The Red Studio (1911) perspektifte seminal, neredeyse tek renkli bir çalışma oldu. Yaşamın ilerleyen dönemlerinde, fiziksel olarak zayıflamış olan Matisse, cesur, kesilmiş kağıt kolajlar yapmaya yönelecekti. Hans Hofmann ve Milton Avery’den Tom Wesselmann ve David Hockney’e kadar 20. yüzyılın önemli ressamlarını etkiledi.

2.1. The Dessert: Harmony in Red

Matisse’in 1908 yılında yaptığı “Harmony in Red” yoğun renklerin ötesinde , sonraki çalışmaların temel özelliği olacak dekoratif unsurların öne çıktığı ilk çalışmalardan biridir Bir başka deyişle bu eser onun doğu sanatına ve dekoratif unsurlara verdiği önemin bir sonucudur.Bu büyük yağlı boya tablo aslında yeşil renkli yapılmış ve yeşil uyum diye sunulmuştur, sonra Matisse bunu maviye boyamıştır. Resim “ Mavi Uyum “ olarak 1907 de Salon de Automme ‘ de sergilenir ve Schukin ‘in tarafından satın alınır. Ama teslimattan önce ressam yeniden fikrini değiştirmiş ve onu parlak, göz kamaştırıcı bir kırmızı ile yeniden boyamıştır. Matisse için bu yol görünümün daha net , hareketsiz, durgun olması içindir.

Matisse ‘ in tabloda yaptığı değişiklikler bazı kişiler tarafından eleştirilmiştir ve

Resim 1.B

Matisse “ Burada bir farklılık yok, o bir birlik gücü , benim düşüncem ve bir dengenin gücüdür” diyerek eserde izlenilen yolun uzun bir zihinsel tasarımın sınır çizgisini ait olduğunu belirtmiştir.

Eserde zengin bir ailenin yemek masası Matisse’in vazgeçilmezi, Van Gogh etkileri taşıyan ,sarı bir sandalye ve bir manzara tablosu yer almaktadır. Bu dönemde eserlerdeki sandalye geçmişe saygıyla sunulan bir davet gibidir .Perspektif duygusunun varlığını korumak için orada vardırlar.Bunun yanı sıra eserdeki iki boyutluluk yadsınamaz bir gerçektir. Tabloda renkler saf ve parlak olup masanın üzerindeki motif arka planda ki duvara yayılır. Bütün dizaynda kıvrımların oluşturduğu hayvan pençesi veya bir kıskaca benzetebileceğimiz motifler mevcuttur. Tabloda , duvara asılı manzarada yeşil rengin hakimiyetinde, masa ile duvarın parlak kırmızının yarattığı güçlü kontrastı bölmemek için, tablonun dikey çerçevesi turuncuya boyanmıştır. Mavi motif örgüsünün soğukluğunda, siyah kalın dış kontur çizgileri ile kırmızı daha parlak hale getirilmiştir.Tabloda yer alan bayanın kıyafetinin üst kısmı siyah alt kısmı ise beyaz resmedilmiştir. Sanatçı, bir tabloyu oluştururken dengeyi sağlayabilmek için siyah ve beyazın yüzeydeki yerlerinin iyi seçilmesi gerektiğini bilmektedir. Siyahın yanında her renk daha canlı görülür, beyazın yanında da renkler solar.

Eserde yer alan duvara asılı manzara tablosunun önemi çok büyüktür, çünkü burada kırmızı- mavi süslemelerin, gözümüzü dışarı alan zümrüt yeşili doğa manzarasının yapılma amacı aynı zamanda yeni bir çeşit dengeyi, hareketi ve duraksamayı amaçlamaktadır. Bir burjuvanın duvarına asılı duran bu manzara resmi ile sanatçı gözümüze resmin içine doğru bir akış ve derinlik hissi vermeye çalışmıştır, sanatçının bu resmini “ Duyguların Perspektifi” olarak adlandırılması da bu yüzdendir..

2.1.a Tanımlama

Dışarıda bahçeye bakan peysaj bir pencere ile bir oda içinde bir masada oturan kadın. Duvar ve masa parlak renkli ve desenli, odada iki sandalye vardır. Masada birkaç kase içinde bazı meyvelerin yanı sıra masa etrafında rastgele dağılmış bazı meyveler vardır. Masanın üzerinde 2 şişe şarap vardır, bunlardan biri tabakta dinlenir. Kadın onun elinde meyve kasesine bakıyor, kaseden bir parça meyve alıyor. Saçları bir topuzda oldukça açık bir şekilde giyinmiş. Pencerenin dışındaki manzara,

bazı ağaçları ve ufukta bir evi olan bir bahçeye bakar. Dış görünümün tonu odanın iç kısmına kıyasla sessizdir.

Kompozisyondaki ışık, belki de seyircinin yönünden, odanın içinden geliyor gibi görünüyor. Işık daha doğal ve dağınık görünmektedir, sahnede sert bir spot ışığı veya gölge yoktur. Dışarıdan gelen ışık oldukça sessizdir, sabahın erken saatlerinde veya öğleden sonra görünmesine neden olur.

2.1.b Değerlendirme

Odanın bileşimi, izleyicinin sahneye bakmasını sağlar ve resme daha rahat, daha az baskın bir görünüm verir. İzleyici, desenlerin yön akışı ve kadının görüş yönü (ellerindeki meyve kasesine bakarak) tarafından oluşturulan çizgilerle kase ile kadına sahne boyunca yönlendirilir. İzleyicinin gözü daha sonra odadaki nesnelerden gelen perspektif çizgileri doğrultusunda pencereden dışarı çıkar. Resmin genel bileşimi, izleyiciyi iç ve dış arasındaki kontrastı görmeye ikna eder.

Resmin genel atmosferi oldukça canlıdır. Sahnenin kendisi oldukça sıradan olmakla birlikte kompozisyon, soğuk dış dünyadan korunmaktan elde edilen bir sıcaklık ve güvenlik hissi uyandırır. Masanın etrafındaki meyve parçaları, sahnenin rahat doğasını ifade eder, hiçbir şey kesin değildir ve formlarda sertlik yoktur.

2.1. c Işık

Kompozisyondaki ışık, belki de seyircinin yönünden, odanın içinden geliyor gibi görünüyor. Işık daha doğal ve dağınık görünmektedir, sahnede sert bir spot ışığı veya gölge yoktur. Dışarıdan gelen ışık oldukça sessizdir, sabahın erken saatlerinde veya öğleden sonra görünmesine neden olur.

2.1.d Renk Analizi

Görüntüdeki en baskın renk kırmızıdır – bu odanın iç duvarlarının rengi, masa örtüsü, sandalyeler ve birkaç meyve. Görüntünün en belirgin ikinci renkleri mavi ve sarıdır. Görüntü boyunca biraz yeşil var – çoğunlukla meyve ve pencerenin dışındaki bahçe için ayrılmıştır. Sanatçı ayrıca nesneleri çizmek için siyahı ve ayrıca kadının bluzu için kullandı. Eteği kirli beyaz renktedir ve bu sahne boyunca masadaki şişeler ve tabaklar gibi çeşitli nesnelerde ve dışarıdaki bahçedeki ağaçlarda tekrarlanmıştır.

BIBLIOGRAPHY

Beksaç, Engin.(2000): Avrupa Sanatına Giriş, İstanbul: Engin

Yayıncılık, 2. basım.
Berggruen, O. Hollein M. (2006): Henri Matisse, Drawing with

Scıssors, Munich: Prestel, 2. Basım.
Bonsanti, G. Caravaggio. Scala, 1991
Cassou, Jean. ( y.y): Henri Matisse, Carnet de Dessıns, Paris: Huguette

Berés
Erbil, Devrim :”Sanat, Renk ve Yaşam” Art&Life Dergisi, sayı:10. Fischer, E. (1974). Sanatın Gerekliliği, Çev: Cevat Çapan, Konuk

Yayınları.
Franck, Dan. (çev. Liebow, C. H.) (2001): Bohemian Paris, Picasso,

Modigliani, Matisse, and The Birth of Modern Art, New York: Grove Pres . Germaner, S. (1997). Barok,Eczacıbaşı Ansiklopedisi. İstanbul: Yem

Yayınları, 195-197.
Germaner, S. (1996). 18. Yüzyıl Avrupa Resmi, Anlamı Biçimlendiren

Etmenler, Kabalcı Yayınevi.
Haydaroğlu, Mine.(1992): ”Henri Matisse’in doğallığı”, Arredamento

dekorasyon dergisi,sayı: 43, 142-146.
Mahon, D. (Sep., 1951). Caravaggio’s Chronology Again. T h e

Burlington Magazine, 93(582), 286-292.
Matisse Henri, Resim Üzerine Düşünceler
Millet, Laurence. (2002): Matisse, France: Flammarion.
Sirel, Ş., Aydınlatma Terimleri Sözlüğü, Türk Dil Kurumu Yayınları